Esta noche si la idea es quedarse en casa a descansar y recuperar fuerzas una recomendación para ver en la tele una buena película. A las 22 horas por Cinecanal una película entrañable, adorable y para divertirse de manera inteligente y adulta, Pequeña Miss Sunshine es la peli y la invitación esta hecha. Conocer a esta familia disfuncional en donde un sueño, que desde el inicio se sabe imposible, es ingresar en cierta a medida al fracaso del american way of life. Y lo que hace a este película increíblemente bella es su excelente casting, esos actores que hacen que nos pongamos en la piel de la familia Hoover y sus excéntricos rasgos, el tío Frank seguidor y estudioso de Proust, recientemente abandonado por su pareja (aquí destella Steve Carrell), el hermano de Abigail, fanático de Nietzsche, que ha realizado votos de silencio( un interesante Paul Dano), el abuelo que en cierto modo complicará las cosas (Alan Arkin) esos padres (manejando el delirio familiar Greg Kinnear y mi admiradaToni Collette) que ahoran lo imposible por su hija y la pequeña que aspira a ganar el certamen del título (impagable Abigail Breslin). Para terminar un domingo de la mejor manera, verla es necesario. Porque lo primero es la familia ( y lo último también)
Bueno por esos errores informáticos las disculpas tambien se colgaron al blog, pero bueno uno no es perfecto y más con estas nuevas tecnologías.
Igual un error lo comete cualquiera.
En este bello y soleado domingo de agosto quería compartir unas fotos que remiten a donde se iniciaron los juegos Olímpicos, es decir, en Olimpia (Katakalón en griego).
Lugar maravilloso, único, con una energía increible que tuve la posibilidad de visitar hace unos meses.
Y como estamos en medio de una nueva edición de los Juegos me pareció piola mostrar algunas fotos que nos llevan a ese lugar mítico y originario que honraba a Zeus.
Acá les adjunto alguna data para saber como empezó todo gracias a los griegos que fueron únicos.
Los Juegos Olímpicos de la Antigüedad se inauguraron oficialmente en el solsticio de verano de 776 antes de nuestra era, pero ya se realizaban muchos años antes. Según una antigua leyenda helénica, los Juegos habían sido creados por Hércules después de limpiar los establos del rey Augías, a quien mató luego porque éste no había quedado satisfecho con el trabajo. Sin embargo, algunos indicios históricos sugieren que los Juegos pueden haber empezado unos quince siglos antes de Cristo y que debieron suspenderse en varias oportunidades por diferentes motivos. Se celebraban cada cuatro años en Olimpia, donde estaba el principal santuario de Zeus, con la participación de atletas de toda Grecia.
Inicialmente, se trataba de una competición de atletismo y lucha que duraba un solo día, pero en 472 a. de C. y en 350 a. de C. se crearon nuevas reglas, que dieron a los Juegos la forma con que pasaron a la historia.
Los Juegos Olímpicos alcanzaron su apogeo hacia el siglo V antes de nuestra era, llamado el 'siglo de oro' de Atenas, pero siguieron desarrollándose durante varias centurias hasta que en 394 de nuestra era, el emperador de Constantinopla Teodosio el Grande los suspendió por considerarlos una celebración pagana.
Los Juegos Olímpicos de la era moderna se iniciaron en 1896, merced a una iniciativa llevada adelante por el barón de Coubertin, a cuyo impulso se había creado dos años antes el Comité Olímpico Internacional.
Para los griegos, que a partir de 776 a. de C. se acostumbraron a medir el tiempo por los Juegos Olímpicos, la palabra olimpíada (o también olimpiada), que tomó su nombre del monte Olimpo, designaba el período de cuatro años transcurridos entre dos ediciones de los Juegos, pero en la actualidad olimpíada y Juegos Olímpicos se suelen usar como sinónimos.
Perdon si les ha llegado una invitación o solicitud de registro para Hi5, no fue me intención mandarla y por un error de apretar una tecla se envió, era para avisar y para prevenir la puteada en el caso que hubiera existido....
mis disculpas y no tengo intención de que se suscriban a una lista de amigos ni mucho menos.
Para leer con detentimiento esta nota ya que a partir de ahora todos son muy buenos amigos. El Grupo y el Gobierno estan en la misma sintonía así esten dispuestos a recibir buenas noticias y que el país va viento en popa. ¿ Cómo se arreglará el grupo con sus medios de comunicación cordobeses ( La Voz, Cadena 3, Radio Mitre) con la cobertura y el análisis del gobierno de Schiaretti? Digo ya que Córdoba y Nación están enfrentados y ahora el Grupo estará a favor de la monarquía. Veremos como se produce el movimiento y nuestros "respetables" periodistas ejercen la noble profesión desde las pantallas, las radios y el gran diario centenario. Para saber leer la letra chica y la agenda de temas de los medios de comunicación que ahora, según mi modesto entender, defenderán a la Reina. Que país!!! Que prensa que nos tocó en suerte!!! Por suerte Lanata persiste en la idea de hacer periodismo en serio.
El Gobierno logró recomponer su relación con el grupo clarín Ahora dicen que no miente Jorge Lanata.
"Esta vez no vinieron acompañados de tanques, sino de generales multimediáticos (…) con mensajes cuasimafiosos." }Cristina Kirchner, primero de abril.
"Nadie puede mentirle todo el tiempo a un pueblo. Tarde o temprano las máscaras se caen." Cristina Kirchner, 6 de mayo.
"Hay que desmonopolizar al Grupo Clarín, ya! Hay que acabar con la dictadura mediática!" Luis D'Elía, 9 de abril.
"Hay que terminar con el doble discurso. Se lo pido a Clarín, señor Magnetto, yo le pido que usted informe con calidad." Néstor Kirchner, 18 de junio.
¡Romina, volvió la amistad! -el portador de la feliz noticia era Sergio Massa, y el silencio asombrado del otro lado de la línea era el de Romina Picolotti, secretaria de Ambiente-. Y no sólo volvió a estar todo bien, sino que si llegás a tener algún tema para darle manija en el diario, avisá porque ellos nos dan una mano.
Cuando el hiperkinético Massita cortó la llamada la causa por contaminación de Papel Prensa cayó en el precipicio del olvido. Clarín no contamina. "Picolotti colocó una multa y está obligando a invertir más de diez millones de dólares a Papel Prensa, porque se comprobó que contamina el río y tiene que hacer inversiones", había dicho la presidenta C en San Pedro el 6 de mayo. Así el Gobierno respondía al escándalo iniciado con la tapa del pasado 13 de abril de Crítica de la Argentina.
Luego de supo que la multa nunca se aplicó, sino que hubo intimaciones y que la empresa papelera formada por Clarín, La Nación y el Estado desconocía la competencia de la Secretaría de Ambiente. En cualquier caso, desde la semana pasada, la causa cayó por el túnel del cajoneo.
Massita no hablaba por sí mismo sino repitiendo una orden del Presidente K después de dos reuniones con Héctor Magnetto en la residencia de Olivos. El primer encuentro fue anterior al "voto no positivo" de Cobos, y Magnetto se cruzó con el megamillonario Lázaro Báez cuando entraba a la quinta. El acuerdo se selló en un segundo encuentro a la misma hora, ocho de la noche, después de la derrota de la 125:
Es difícil saber si la ley de Radiodifusión entrará al debate parlamentario en 2008, pero lo que es seguro es que, de entrar, no va a molestar a nadie, todos los puntos que complicaban la relación con Clarín fueron prolijamente retirados. Gabriel Mariotto, titular del Comfer, y Luis Lázzaro, coordinador del Comité, fueron los autores del primer proyecto, una especie de Frankenstein que hoy devino en Annie la Huerfanita.
A pedido de K, en plena crisis del campo, Mariotto incluyó un apartado anulando la fusión de las operadoras de cable Multicanal y Cablevisión, que el propio Néstor avaló una semana antes de terminar su primera presidencia. Aquel pedido convenció a Mariotto de que la pelea contra Clarín iba en serio: aunque la fusión monopólica ya estaba autorizada por la Comisión Nacional de Defensa de la Competencia, no había aún dictamen sobre la fusión tecnológica, y una evaluación negativa del Comfer podía volver todo a fojas cero. El escrito se autodestruyó en menos de treintas segundos en el despacho de Carlos Zannini, el arquitecto de la versión new age de la Ley de Radiodifusión.
-No les tocamos nada de lo que ya tienen, no les sumamos competidores y dejamos abierta la negociación sobre la digitalización –el lenguaje es jurídicamente poco ortodoxo pero preciso, un buen resumen de la negociación de fondo.
En el proyecto inicial contemplaba asimilar a la categoría "Servicio de Radiodifusión" a las licencias de radio, televisión y cable, y declarar en ese esquema al cable como "servicio público". Así se lo dijo entonces la presidenta C a los empresarios del sector, reunidos en Casa R en los comienzos de la Guerra Gaucha. De mantenerse, esto implicaba que el Estado podía fijar tarifas y rescindir los contratos, como en el resto de los servicios públicos. De esa idea no quedaron ni las manchas de liquid paper.
El servicio de radiodifusión será brindado por el "emisor de señal" y el "medio de transporte de señal", contemplándose este último, lo que pemitirá a las telefónicas no emitir señal pero sí prestar su "medio de transporte" (carrier) para que el cable lo use. Hasta ahora el gobierno quería poner un competidor de peso frente a Clarín habilitando el triple play para las telefónicas (recuérdese que hasta ahora una empresa de servicio público no puede ser titular de una licencia de radiodifusión). Finalmente se crea un nuevo mercado que servirá para los dos: las telefónicas transportaran el cable.
Con la nueva ley cada empresa es una licencia (Cablevisión una, Telecentro otra), con lo que se unifica el mapa y un solo emisor podrá emitir en todo el territorio, una manera de legalizar los monopolios.
La digitalización (que permitirá multiplicar por cinco o por seis la cantidad de señales que transmitan en un solo canal), algo que favorecerá a los más pequeños, pero también a los más grandes. La frecuencia 13, por ejemplo, según se distribuya el ancho de banda, podrá tener cinco canales 13 más, uno al lado del otro.
La versión new age de la ley ya llega retrasada al Congreso: iba a aterrizar el 9 de julio pero Aero Jaimito se le adelantó en la fila, por ahora con resultado incierto. Para colmo el oficialismo mira con desconfianza a Manuel Baladrón, presidente de la Comisión de Comunicación de Diputados, legislador pampeano en rebeldía que votó por el campo y que también deberá enfrentar su propio espejo: en 2003 fue uno de los que aprobó la Ley 25.750, más conocida como Ley Clarín, o de Bienes Culturales.
-Yo le dije a Néstor. Estos tipos te sacan, te sacan y cuando tienen lo que quieren, te matan –confiesa preocupado ante Crítica de la Argentina un funcionario que fue testigo del retroceso del Gobierno y el avance de Clarín. El hombre recuerda, con preocupación, la salida de Sbatella de la Comisión Nacional de Defensa de la Competencia, una de las pocas cartas que los K hoy podrían volver a poner sobre la mesa si la batalla contra Clarín se reanudara.
José Sbatella, economista de La Plata ligado al duhaldismo, pegó un portazo en la Comisión manejada por Guillermo Patota Moreno acusándolo en un informe remitido a la SIGEN de haber "sometido al ente a los intereses del sector privado", y de facilitar la "confusión entre negligencia y delito" favoreciendo a los monopolios. El caso paradigmático citado por Sbatella es el de la fusión Multicanal-Cablevisión. De modo que Clarín ya no miente. Clarín no contamina
Decíamos el viernes por la noche que el monólogo se adueñaba de la ciudad ya que Julio Chávez estrena su unipersonal sino porque esta excelente actriz traía sus monólogos a la docta también. Un lujo tenerla por estos lares con su propia producción, textos y puesta en escena. La cita es para mañana domingo en la Ciudad de las Artes y por única vez. Si pueden no dejen de ir ya que no se arrepentirán. Si quieren más de ella pueden econtrarla aquí www.antoniasanjuan.com y disfrutar nuevamente de Todo sobre mi madre donde nos muestra una mujer con todas las facetas posibles, esa entrañable Agrado. Aquí la reseña del espectáculo que mañana a partir de las 20 horas sube a escena en la Ciudad de las Artes.
Siguiendo la línea del exitoso Otras Mujeres, Las que faltaban es un sinfín de personajes femeninos diferentes, cada uno con sus propias vivencias, con su bagaje de vida y su saber. Ninguna mujer está repetida, todas son únicas. Siendo fiel al teatro de humor y por supuesto al social, Las que faltaban va más allá de la crítica. Realiza un análisis de la sociedad en el cual todo se pone en tela de juicio. Uno de los puntos clave, revisado en profundidad por la directora, es la influencia mediática en el individuo y cómo la televisión se ha convertido en el cronista de nuestro tiempo. También se tratan otros temas como la familia o lo políticamente correcto. El espectáculo arranca con un noticiario televisivo donde se narran una serie de noticias trágicas con la naturalidad y frialdad a la que ya estamos acostumbrados. Otro de los personajes, Hillary, ama a un asesino y se siente orgullosa de ello. Luego está la sumisa que, en el fondo, tiene deseos masoquistas. La soprano que evoca algo entre lo onírico y la locura y nos confunde, no sabemos si es una cantante de opera de verdad o es lo que ella imagina en su delirio. Covadonga-Dos encarna a la nueva rica y tambien está la hija modélica que cuida de su anciana madre o más bien la martiriza por no pensar en su absurda vida. Los últimos personajes tan dispares como los anteriores son el ama de casa experta en toda clase de labores del hogar y la lujuriosa damita del siglo XVI que nos cuenta sus experiencias en verso. Ficha técnica: Dirección: Antonia San Juan Autores: Terenci Moix, Quim Monzó, Rafael Mendizabal, Enrique Gallego, Felix Sabroso, Luis Seguí y Antonia San Juan Ayudante de Dirección: Vanesa Tejero Iluminación: Luis del Valle Vestuario: Santiago Bandrés Música Original: Willy Sanchez de Cós
Buen sábados para todos. Aca ando desde temprano luego de una noche primaveral en donde el reecuentro con viejos y queridos amigos fue la marca de un bello viernes. Medio trasnochado me dispongo a producir lo que en unas horas dire en la radio y me topo con esta nota que hoy se publica en el suplemento cultural del diario El País ( Babelia) que cada día sale mejor y que hace añorar porque por estas tierras no tenemos un suplemento asi, pero bueno más allá de la queja matinal me gustó leer este texto del escritor y guionista Marcelo Birmajer rescatando el trabajo que se hace cuando se produce cine. Asi que me gustó compartirla con uds. Y a leer a Marcelo ya que es un placer sus Historias de hombres casados son altamente recomendables. Sino quieren leer lo pueden encontrar en canal Encuentro los sábados a la noche presentado y hablando sobre Cine y Literatura, por ejemplo hoy le toca el turno a Apocalysis Now. la cita es a las 22 horas y repite los jueves a las 00:00 horas. No me digan que no les avise.
Cine y dinero MARCELO BIRMAJER
Ya han pasado más de siete años desde que el director Daniel Burman se apareció por mi estudio del barrio de Once con una idea, seis páginas de monólogo del personaje principal y un contrato. Así comencé a escribir el guión de la película El abrazo partido. Escribí aquella primera versión del guión, como casi todo lo que escribo, sin esperanzas. En rigor, de haber podido apostar, lo habría hecho en contra: la falta de financiación era un fantasma tan presente como en tantos otros proyectos que pasaban a mejor vida sin haber probado ésta.
Le di vueltas a la idea en mi cabeza, hice la vuelta de perro al barrio, como hago siempre que no se me ocurre nada, y finalmente me fui a Chile a presentar un libro que por lo menos había terminado. Esto fue a mediados de 2001.
De regreso, en pleno vuelo, encontré la trama, la historia de amor. Para festejar, me compré en el free shop la que no sabía sería la última botella de Chivas Regal del 1 a 1: un peso, un dólar. Marché directo del aeropuerto a mi estudio, y cuando la botella llegó a la mitad, el guión ya era un hecho. Pero entonces el país se descalabró: los bancos no permitían sacar el dinero, habíamos perdido todos nuestros ahorros, durante un par de semanas no supimos quién era el presidente.
El guión surfeó la realidad nacional: ganó el Premio Coral al mejor inédito en el Festival de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, y el empuje de la SGAE y el Canal +.
La película comenzó a rodarse cuando el país todavía no definía su nuevo rumbo. Ya completa, ganó dos Osos de Plata en la Berlinale de 2004: el Gran Premio del Jurado, y al mejor actor. Aquella historia que terminó de escribirse en un país arrasado por la crisis, ahora recorría el mundo.
La literatura puede ser escrita en cualquier circunstancia, sin más concurso que el del autor: no hace falta ni un peso para concretarla. Incluso puede llevarse a cabo en circunstancias extremadamente penosas: se escriben relatos en las cárceles, o en un edificio en llamas. El cine, por el contrario, precisa de ingentes cantidades de dinero mucho antes de que se haya rodado siquiera la primera escena. Se pueden hacer películas sin actores, pero no sin inversores. Alguien tiene que poner la pasta.
En este contexto, ¿cómo un país con recurrentes crisis económicas, como la Argentina, ha sido capaz de asombrar al mundo con obras cinematográficas como Un oso rojo (Adrián Caetano), El bonarense (Pablo Trapero), o El hijo de la novia (Juan José Campanella)?
Mi teoría, tal vez un poco mística, es que las buenas historias tienen vida propia. Cuando una historia exige ser contada, es como un amor inconveniente: no se puede impedir ni aunque deshereden a los enamorados.
Suele mencionarse a Hollywood como una competencia maligna para el cine latinoamericano. Y es cierto que existen algunos factores, tales como la disposición de salas, que habría que revisar en forma constante. Pero yo considero que la libre elección del público es mucho más poderosa que cualquier promoción. El actor cómico Guillermo Franccella, por ejemplo, lleva más gente a los cines de toda Argentina que cualquier secuela de La Guerra de las Galaxias.
Hollywood, en mi opinión, ha resultado mucho más una fértil influencia que un problema para el cine latinoamericano. También ha sido hospitalario con directores, guionistas y actores de nuestro continente.
Los problemas son mucho más causa de nuestros propios conflictos internos que de cualquier novedad externa. Películas como la cubana Fresa y chocolate (Tomás Gutiérrez Alea), o la uruguaya Whisky (Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll), continúan concitando elogios cuando muchos de los tanques hollywoodenses de entonces han sido rigurosamente olvidados.
La gran deuda pendiente de los latinoamericanos para con nosotros mismos no es precisamente artística. Nuestro cine no es dadivoso en efectos especiales, pero este límite nunca ha impedido proyectar ficciones de la más diversa índole: desde retroficción, como la singular La antena, de Esteban Sapir, hasta toda clase de reconstrucciones realistas históricas. También las hay de superacción, y con mucho éxito de público en Argentina, tales como Peligrosa obsesión (Raúl Rodríguez Peila) o Comodines (Jorge Nisco y Daniel Barone). Y si de pronto se viniera la moda de crear películas intergalácticas en Latinoamérica, creo que fatalmente el dinero para producirlas acabaría llegando de algún lado, siempre y cuando alguna historia imprescindible lo convocara. Es mucho más lo que se produce que lo que deja de producirse.
La gran pregunta, entonces, no es cómo hemos sido capaces de llevar al mundo nuestro cine a pesar de nuestras recurrentes crisis, sino por qué no somos capaces de utilizar nuestro talento para consolidar sociedades donde las crisis dejen de representar desequilibrios desesperantes.
En estos días estoy dando punto final a un guión sobre la vida de uno de los más grandes boxeadores argentinos, Oscar Natalio Ringo Bonavena. Ocurrente y atractivo desde sus primeras subidas al ring, Bonavena alcanzó el pico de su fama internacional en 1970, con una pelea épica contra Cassius Clay, en el Madison Square Garden, de Nueva York.
La película, que será rodada por Carlos Sorín, y protagonizada por Rodrigo de la Serna -con producción de Sebastián Ortega-, cuenta la vida de Bonavena hasta la pelea con Clay. Pero ahora los norteamericanos, incidentalmente, reconstruyen la última parte de la vida del boxeador argentino. Una producción hollywoodense cuyo eje es Joe Conforte, el dueño del resonante burdel Mustang Ranch, en Reno, Nevada, reconstruye el asesinato de Ringo. Lejos de considerarlo una competencia perniciosa, para el productor ésta es una excelente noticia: Hollywood pondrá en el candelero al personaje argentino de nuestro filme.
El cine en lengua española, latinoamericano e ibérico, se ha desatado: cada año, desde hace ya varios años, suelta alguna perla consistente y duradera. Esto es para festejar y proseguir.
Un fin de semana largo con visitas importantes en la ciudad y dos obras de teatro de prestigio internacional y que , justamente, son monólogos. El gran Julio Chavez uno de los grnades actores nacionales viene a presentar en tres días únicos su unipersonal Yo soy mi propia mujer y seguramente nos deslumbrará con esta histroia de Charlotte que con solo leerla ya incita a verla y escucharla. Así que si pueden pasen por el Real a un grande de la escena nacional por que vale la pena. Mañana les cuento la otra propuesta que viene desde España con pasos almodovarianos, pero eso es para el domingo. Aquí la palabra del gran Julio y la historia de Charlotte otra grande.
Julio Chávez asume su trabajo de actor y director como un espacio de crecimiento, creación e indagación acerca de los esos aspectos del alma humana menos visitados. Una búsqueda personal que lo aleja de los lugares comunes, aun cuando los personajes que encarna o dirige podrían parecer familiares, cotidianos. "Esta pieza fue para mí otra oportunidad de crecer en mi oficio, una de las cosas más importantes que una obra le puede ofrecer al actor. Y me hizo crecer por las características de Charlotte, pero también por los sentimientos que ella despierta en Wright, el segundo personaje de la obra, que no es otro que el autor", cuenta Chávez. Ocurre que ambos personajes son interpretados por el mismo Chávez, en este unipersonal que le valió numerosos premios y los elogios de la prensa especializada y el público. "La verdad es que fue algo muy especial, como muy casual, porque la obra me llegó por recomendación de mi amigo Ricky Pashkus que la vio en cartel en Broadway y tuvo una corazonada. Entonces yo pedí el texto, lo leí y se lo sugerí a los productores con una sola condición: que la dirección estuviera a cargo de Agustín Alezzo, quien por suerte aceptó. Lo gracioso de todo esto es que yo creía que Ricky había visto la puesta en Nueva York y no fue así. El había visto la marquesina y sólo por intuición pensó en mí (se ríe), pero lo bueno es que no se equivocó", recuerda Chávez.
"Se trata de una historia de amor que, así como a mí me dio la posibilidad de crecer en el oficio, al autor lo transformó al poder conmoverse con un ser tan extraordinario como Charlotte", comenta el actor. "Supongo que para el espectador bien predispuesto, también será una oportunidad para ampliar su mirada de las cosas".
UNA HISTORIA MUY PARTICULAR
"Yo soy mi propia mujer" está basada en la vida de Charlotte von Mahlsdorf, un extravagante personaje de Berlín del Este, conocido por coleccionar relojes, fonógrafos y muebles antiguos de la época de Wilhelm II. Von Mahlsdorf salió airoso de dos de los más opresivos regímenes del siglo XX, el nazismo y el comunismo, mientras se mostraba abiertamente travestido.
Charlotte creó un museo en Berlín, que aún hoy sigue abierto, donde salvaguardó los objetos de arte y el mobiliario que rescató de los embates de la segunda guerra mundial. Por este aporte al patrimonio cultural germano fue distinguido con la Orden Alemana del mérito luego de la caída del muro. Sus años finales fueron muy controvertidos debido a las acusaciones de complicidad con los Stasi (policía secreta alemana).
Explorando el conflicto sobre los sentimientos de Charlotte, Doug Wright produjo un dinámico y profundo trabajo que resultó un vívido retrato de la Alemania en la segunda parte del siglo XX, moralmente compleja.
En la obra, Wright viaja de Nueva York a Berlín para entrevistar a Charlotte y queda hechizado por su encanto y sus relatos sobre cómo logró sobrevivir a los maltratos de su padre.
"Yo soy mi propia mujer", estrenada en el teatro Lyceum de Broadway el 3 de diciembre de 2003, bebe de varias fuentes: transcripciones de las entrevistas de Wright con Charlotte von Mahlsdorf, que abarcan desde el primer encuentro en agosto de 1992 hasta enero de 1994; cartas que intercambiaron hasta la muerte de Charlotte en el 2002; artículos publicados en diarios sobre su vida; archivos de los Stasi y los personales del propio Wright.
Un nuevo libro de una editorial que hace poco nos deslumbró con Pánico! y ahora intenta hacerlo con estas aguarfuertes que Juan Carlos Maraddón y sus amigos han compilado en este nuevo volumen donde prometen hacernos recorrer las calles, veredas y lugares que esta ciudad tiene cuando el sol se va a dormir y la luna preside muy oronda el cielo.
Habrá que leer que se trae entre manos el Decano ( así lo llamo cariñosamente al Dirty ya que lo es) y su troupe.
La invitación para que vayan y compartan con gente linda este nuevo libro de una editorial que debemos apoyar ya que tiene una propuesta estética diferente a todo lo visto por aquí y que conjugan textos e imágenes como nadie.
Los veo allí ya que será un honor salir de mi morada para felicitar personalmente ante este nuevo logro.
Hasta la noche entonces y buen viernes
El Lado Luna de Lo Oscuro
Derrotero de Juan Carlos Maraddón y otros muñecos
Raúl Dirty Ortiz
Diseño de Chux!
Ilustraciones de Santiago Guerrero
Prologado por Gustavo Álvarez Núñez | Texto de contratapa: Juliana Rodríguez
Nodurmáis Maraddón, volumen dos
Diseño de colección: Cecilia Chux! Picco
Presentación: viernes 15 de agosto, a las 21 hs.
En Documenta/Escénicas, Lima 364.
PROGRAMA:
Las 15 no tan pequeñas diferencias entre el autor del libro y JCM
Performance de Pelopincho
Ambientación musical de DJ Charlatans
Raúl Dirty Ortiz
Rumbo a Bariloche, aturdió a sus compañeros con el My Sharona de The
Knack. Cuore le cobró entrada para ver en vivo a Virus. Carlos Paz lo
encegueció con los flashes de Molino Rojo, pero después se apegó a las
banquetas de El Mariscal. Entró a la electrónica por la puerta de Daft
Punk, aunque ya venía sacudido por el acid house. Gusta de beber el
champán en balde. En los últimos meses, se lo ha visto ingresar sin
El cineclub municipal Hugo del Carril pone en calidad de estreno una película que podemos decir desde ya es una de las perlas de este año cinematográfico.
La Cuestión Humana
Una película compleja, no apta para todos ni para cualquier cabeza, con uno de los mejores actores franceses de la actualidad (pronto lo veremos descollar en La escafandra y la mariposa de de Julian Schnabel) al frente de este relato donde intenta descubrir los pliegues del lenguaje y la condición humana.
Cuanto de humano tenemos nosotros y en que nos hemos convertido hoy por hoy. Y esa situación aberrante y tecnócrata tiene un origen particular. La cuestión humana de Nicolas Klotz. La deshumanización de nuestra condición es puesta en pantalla durante dos horas y media en donde uno queda estupefacto con lo que la película nos plantea.
Sin lugar a dudas una película sin concesiones, adulta que nos devuelve una imagen que, seguramente, muchos no quieren ver ni siquiera reflexionar en torno a este mundo que Klotz disecciona. Una película necesaria y obligatoria de ver. Así si tienen ganas, tiempo y agallas se llegan a la sala de Bv. San Juan 49. Una alta recomendación. Por si no confían en mi efusivo comentario aca una lectura de la película según la revista El amante.
La Question humaine
1. El tiempo debería detenerse. Ya no tenemos derecho a creer que su avance acompasará el progreso de la historia. Los viejos ideales de libertad, igualdad y fraternidad o, después, las rosas rojas del socialismo que instalaría la justicia sobre la Tierra han caducado. La historia no ha sido benigna con esas aspiraciones y ha disuelto el tiempo en un presente continuo en el cual la esperanza ha sido abolida y en el que las palabras de ayer –justicia, hermandad, solidaridad– son anatemas. No hay futuro; sólo presente ingrato, tan obtuso que si abrimos desde él la puerta al pasado sólo encontraremos lo peor, la raíz del mal hoy hecha árbol. Y únicamente nos servirá para comprobar que ese mal ha triunfado.
Si éste ha sido el resultado de la historia, lo que venga sólo puede ser peor. Presente perpetuo y canallesco, un futuro en el que la cuestión humana haya desaparecido será aún más vil. Por eso, el tiempo debería detenerse.
Este ánimo sombrío, esta advertencia son formulados por Nicolas Klotz y Elisabeth Perceval, su guionista y esposa. Es la cuestión humana la que está en juego en este momento. La de la supervivencia del hombre como tal. No la de la especie, amenazada por otros apocalipsis, sino la del concepto de hombre acuñado por el humanismo: un individuo, alguien consciente de sus actos y elecciones, capaz de vivir armónicamente con los otros y de utilizar sus capacidades no sólo en su propio beneficio, sino en el del conjunto. Un proyecto de vida que, Klotz nos dice, está muerto en las propias sociedades que lo generaron. La pátina democrática de ese mundo es sólo eso: una película delgada y engañosa que encubre a una sociedad totalitaria y rapaz. Desde el corazón de ese mundo opulento y egoísta, esta película, rama desgajada del tronco del viejo humanismo, viene a descorrer ese moderno velo de Maya, esa apariencia.
2. Como una imagen. Pero ni siquiera la apariencia es grata; apenas una imagen, falsa, del mundo de orden y eficiencia en el que vive Simon (el notable Mathieu Amalric), psicólogo a cargo de las relaciones humanas de una empresa alemana asentada en Francia, una imagen que enseguida se disipa; él es uno de los apóstoles de la excelencia, un modismo al uso para suavizar las salvajes prácticas empresariales modernas: despiadados tests de selección de empleados, prácticas paramilitares de despersonalización para el entrenamiento del personal, una racionalización que prescinde de miles de trabajadores son la verdad detrás de la apariencia. Fuera del trabajo su vida transcurre en la penumbra de un departamento ambientado con esterilidad posmoderna y sus neuróticas relaciones con dos mujeres. Cuando le encomiendan indagar sobre el equilibrio psicológico del señor Just, director de la empresa, los engranajes que mueven la maquinaria de ambos –la empresa y Simon– se hacen autónomos y en su girar emancipado van desarmando todo sentido: el de las vidas de Simon, del director y de quienes los rodean, y el de la propia narración que se quiebra y reconstruye con cada espasmo de la monstruosa maquinaria corporativa.
La cuestión humana es desde ese momento una investigación sobre la verdad y la apariencia, un viaje a un pasado tenebroso en el que como última ratio se agazapa la bestia nazi; también la constatación de que ese pasado se reproduce en el presente y se propone como modelo de futuro. Como en un relato chestertoniano, todos son investigados e investigan a los otros, las certezas se van disolviendo y son reemplazadas por los dolores íntimos y las miserias públicas, escondidas en algún archivo de la historia.
La propuesta de Klotz no es nueva y hasta tendría algo de lugar común si la formulara de otra manera, eligiendo un camino distinto al de este relato quebrado, que nunca se rinde al descanso de lo lineal en su búsqueda de la verdad oculta detrás de la apariencia: la dinámica del capitalismo necesita en su avance de formas de producción y control cada vez más totalitarias. No es necesario un imaginativo Simon que las desarrolle; mucho más simple es que aplique, sin saberlo al principio, las de la vieja maquinaria nazi, siempre disponible. A medida que Simon descubre la raíz de los métodos que aplica y la red de ocultamientos y genocidio que están en la génesis de la empresa, su vida se transforma en un viaje vertiginoso hacia el pasado y la desintegración (como en La flecha del tiempo, novela de Martin Amis en que la razón de su protagonista se disolvía acompañando su regreso a un pasado concentracionario). Ese viaje es, en la pantalla, la explosión de un espejo; fragmentos girando en el espacio que arrojan imágenes parciales, encuadres expresionistas que parecen desgajados del tronco narrativo central pero que terminan esclareciéndolo; al mismo tiempo son la expresión del ánimo disociado de Simon, o del señor Just y de todos los habitantes de ese mundo en que lo humano es una estrella menguante.
3. Juegos de gatos y ratones. La cuestión humana deviene en una especie de policial en donde el investigador es víctima y victimario, un juego perverso en el que todos irán ocupando esos mismos roles; al comienzo Simon somete a su novia a un vaivén histérico de seducción y abandono, pero ella lo desarma con su voz (en La cuestión humana, volveremos sobre ello, la música actúa como una herramienta de desguace de la personalidad). El señor Rose desconcierta a Simon al revelarle los desequilibrios psíquicos de Just. Éste a su vez personifica a la aflicción en su forma más primaria. La extraordinaria máscara de Michael Lonsdale, las pausas de su discurso, el aura de ausencia que es capaz de generar, la manera en que parece desarticular cada uno de sus músculos faciales y cargarlos de pesadumbre terminan componiendo la imagen de un ser víctima de una tristeza y un desconcierto terminales, pero que conserva reflejos de lo que fue: un ejecutivo feroz y eficiente. Su dolor en estado puro, el peso de su pasado, interpelan a Simon y lo desnudan de su ciencia pragmática; ese dolor y esa culpa echan sombra a su vez sobre el implacable Rose, y así sucesiva o simultáneamente, todos caen como palos de bowling ante el golpe de una arrasadora bola fétida, hasta dejar a la vista la ligazón del pasado totalitario con el presente de apariencia civilizada. La progresiva toma de conciencia del protagonista de Recursos Humanos, la noble película de Laurent Cantet, parece al lado de la radicalidad de la película de Klotz un trabajo voluntarioso y bienpensante.
4. Lo que se ve y lo que se oye. ¿Cuál es el punto de vista de La cuestión humana? Sin duda el del psicólogo Simon, pero la multiplicidad de sus ángulos, sus bruscos cortes que interrumpen la continuidad de las escenas que llevan el hilo narrativo, espejan también la totalidad del mundo que malamente lo contiene. La cuestión humana es un big bang narrativo, una explosión desde la oscuridad en camino a resumirse otra vez en ella.
La música subvierte, altera el orden y vuelca de adentro hacia afuera las grietas humanas de todos los agonistas de la película. Si, como dijimos, Simon es subyugado por el canto de su novia, más adelante la música electrónica de la disco propiciará paupérrimas ceremonias colectivas que descargan la angustia y el aturdimiento de Simon y de las sombras que bailan a su lado, todos solos y cercados por una escenografía de rejas y alambres tejidos. Esas escenas se cargan de un clima carcelario que los personajes, digitados por el diapasón hipnotizante de la música, asediados por una cámara asfixiante, bailarines autistas, poseídos por un frenesí de zombis, jamás advierten.
La música incidental comenta dialécticamente, discordando o armonizando, las acciones de los protagonistas. La música llamada clásica es la que acompaña la pasión del señor Just, modelo tardío de aquel romanticismo que se pervirtió en nazismo, sensibilidad en estado puro; su nervadura es acariciada o golpeada (para sus nervios expuestos el resultado es el mismo) por las notas musicales que lo arrojan al grado primario de la sensibilidad, más allá del bien y del mal pero consciente de cada uno de los extremos; la música es para él, a diferencia del resto, una herramienta de conciencia, un recordatorio de que el infierno existe y el cielo está perdido.
Pero también está Arie Neumann, el sobreviviente, el que desde el anonimato parece manejar los hilos que podrían desatar esta madeja maligna. Su presencia en el final es el testimonio de un pasado que quizá tenga un resquicio de futuro. Un testigo de otro tiempo y otros valores que nos recuerda que La cuestión humana es, en palabras de Nicolas Klotz, un homenaje a Tiempos modernos, aquellos de Chaplin en los que los engranajes de la máquina, en plena aceleración, todavía permitían la fuga hacia una modesta felicidad.
Como todos los jueves La Quimera propone nuevos desafíos para los amantes del buen cine. Hoy estrena el documental "CORAZON DE FÁBRICA" que nos invita a conocer un poco más de la Argentina profunda que los grandes medios y emporios periodísticos no muestran. Dos realizadores excelentes que ya habían presentando sus credenciales con la película Raymundo hoy estarán acompañado la función estreno en Córdoba. Así un imperdible de este jueves, llegarse hasta Pasaje Escuti y Fructuoso Rivera y disfrutar de estas imágenes de país y poder hablar con Virna Molina y Ernesto Ardito. Aquí la sinopis de la peli. Buen jueves entonces y vayan a verla.
El film va indagando en la vida de un grupo de obreros, hombres y mujeres de la Patagonia argentina, que inician una lucha para frenar las muertes y los accidentes que se producen en la fábrica de cerámicos donde trabajan. Los conflictos que atraviesan se vuelven cada vez más complejos y vertiginosos, y el compromiso que asumen con esta lucha se torna inimaginado para muchos de ellos.
Estos episodios violentos van sacudiendo sus vidas y transforman su percepción del mundo. Ninguno puede reconocerse como el ser humano que era. Algo cambió, se rompió, se trastocó para no volver nunca al mismo lugar.
En un país pobre, saqueado por sus propios gobiernos y empresarios, los trabajadores de cerámica Zanon, deciden tomar la planta cuando el dueño la cierra y ponerla a producir sin jefes ni patrones.
Ahora se sienten libres, han encontrando en su trabajo la herramienta para crecer humanamente, pero al mismo tiempo deben cargar con una serie de responsabilidades y desafíos que usualmente son la causa de grandes peleas entre ellos o consigo mismos.
Tienen que capacitarse y superarse, para resolver todas las áreas de la producción. Encontraron en las asambleas democráticas, el mejor sistema de organización para que todos puedan tomar las decisiones.
En una Argentina azotada por la debacle económica, donde las fábricas cierran todos los días, logran abrir 200 nuevos puestos de trabajo. Ahora son 470 trabajadores.
Resistieron junto a gran parte de los pobladores, 4 intentos de desalojo de la justicia. No se consideran los nuevos dueños de la fábrica de cerámicos, por el contrario, reconocen como único dueño a la comunidad de la provincia de Neuquén. Y devuelven el excedente que da la fábrica en donaciones a los sectores que más lo necesitan.
Son la única fábrica en el mundo, que logró llevar adelante una gestión obrera durante 4 años. Estos es un desafío permanente y a diario tienen que enfrentarse a un sistema que se empeña en boicotearlos. Pero la mayor barrera a sortear no está afuera sino adentro, en su propia formación. Aunque muchos no lo sepan en esta batalla interna, se encuentra la puerta para la construcción de un mundo completamente diferente.
